Timothée Chalamet si sbagliava davvero sull'opera e sul balletto?

Fermiamoci un attimo perché l'affermazione di Timothée Chalamet è piuttosto singolare. Eccolo lì, seduto di fronte a Matthew McConaughey al Moody College of Communication dell'Università del Texas ad Austin, il 21 febbraio, mentre introduceva con nonchalance questo pensiero nella conversazione.

Il contesto e il linguaggio del corpo sono importanti. Il modo in cui ha pronunciato la frase ha reso facile per alcuni ascoltatori interpretarla come sprezzante, anche se potrebbe non essere stata intesa come un giudizio diretto. È stata accompagnata da un sorrisetto e potrebbe essere percepita come elitaria. Questo mi ha portato, da spettatore medio, a interpretare la sua affermazione come: " Sono stato in questo ambiente per tutta la vita, eppure lo disapprovo".

Ma com'è possibile? Contrariamente a quanto lui stesso suggerisce, la famiglia di Chalamet è piena di ballerini: sua nonna, sua madre e sua sorella hanno tutte danzato con il New York City Ballet.

Inoltre, sua madre, Nicole Flender, studiò danza al LaGuardia , ballò con la compagnia e si esibì in musical di Broadway come Il violinista sul tetto.

Chalamet è cresciuto a Manhattan Plaza , lo stesso edificio che ha ospitatoTennessee Williams e Alicia Keys . Si è descritto come " un diagramma di Venn delle migliori influenze culturali del XXI e XX secolo". 

Passando alle prove storiche, l'opera non è sempre stata considerata una scelta d'élite. Secondo il capitolo di John Storey "Expected Rain: Opera as Popular Culture?", il primo teatro d'opera aprì a Venezia nel 1637 come forma di intrattenimento commerciale per chiunque potesse permettersi un biglietto. Il pubblico del teatro veneziano era composto da persone di tutte le classi sociali.

Nel diciannovesimo secolo, le arie di Lucrezia Borgia e Don Giovanni erano "popolari ovunque". Le loro melodie potevano essere ascoltate nei salotti e nelle sale da concerto, oltre che fischiate dai ragazzi di strada.

Quindi, cosa cambiò? Tra il 1825 e il 1850, secondo la ricerca di Storey, i gruppi sociali d'élite di New York svilupparono strategie per separare l'opera dall'intrattenimento quotidiano. Costruirono edifici dedicati, imposero codici di abbigliamento e insistettero sul fatto che solo l'opera in lingua straniera potesse soddisfare i loro standard.

La serata inaugurale del Metropolitan Opera nel 1883 vide i palchi occupati da persone il cui patrimonio complessivo era stimato in 540 milioni di dollari. Vogue osservò che il teatro "era stato apertamente costruito per scopi sociali piuttosto che artistici".

I dati economici non fanno che rafforzare questo quadro. Ruth Towse afferma in "A Handbook of Cultural Economics" che l'opera riceve la maggior parte dei finanziamenti governativi, nonostante sia il genere meno popolare.

Per comprendere perché questi modelli persistono ancora oggi, vale la pena analizzare la realtà finanziaria di una delle istituzioni più importanti al mondo. Il Royal Ballet and Opera offre una panoramica chiara dell'attuale situazione economica di queste istituzioni. Secondo un rapporto pubblicato da Arts Professional nel giugno 2024, il fatturato totale dell'organizzazione è aumentato di quasi un terzo, superando i 170 milioni di sterline nell'anno conclusosi ad agosto 2023. Gli incassi al botteghino hanno rappresentato solo il 31% del totale, passando da 39,6 milioni di sterline a 52,6 milioni di sterline.

Nel frattempo, il finanziamento dell'Arts Council England rappresentava solo il 15% delle entrate non vincolate, pari a 23,6 milioni di sterline. Ciò che sorprende è che, nonostante l'istituzione abbia venduto il 96% dei suoi posti, il teatro abbia dovuto comunque far fronte a un taglio del 20% dei finanziamenti pubblici, oltre all'aumento dei costi delle utenze e all'urgente necessità di interventi di ristrutturazione per almeno 50 milioni di sterline nei prossimi tre anni solo per mantenere l'edificio in funzione. Questi dati dimostrano che il modello finanziario per l'opera e il balletto rimane valido, anche ai massimi livelli.

Eppure, c'è qualcosa su cui riflettere. Chalamet non è un eroe della classe operaia che smaschera l'ipocrisia. È il prodotto di quello stesso elitarismo e ora, all'improvviso, ha deciso di ignorare quella parte di sé.

Ciò solleva una domanda molto importante sul ruolo della classe in questo articolo. Cosa significa quando qualcuno con un background culturale così forte afferma che queste forme d'arte non fanno più parte della cultura dominante? E a chi si riferisce esattamente il "mainstream"?

L'opera e il balletto sono ancora visti come simboli culturali e indicatori di status sociale, ma non sono più popolari come un tempo. Questo dimostra che ci si chiede se questi spazi siano aperti a tutti, se le persone si sentano a casa e se siano sempre stati riservati solo alle élite. Chalamet afferma che queste forme non sono importanti, ma lui appartiene allo stesso mondo che le ha rese importanti.

Il 10 marzo 2026, Chris Murphy scrisse , difendendo Chalamet in termini schietti: "C'è qualcosa di sbagliato che Chalamet ha detto? Assolutamente no". Murphy sottolineò che queste forme d'arte sono per lo più sostenute da ricchi mecenati e donatori piuttosto che dal grande pubblico.

Questo è vero. Tuttavia, Chalamet avrebbe potuto esprimere questo concetto in modo più sottile, riconoscendo il proprio background e mostrando un certo rispetto per gli artisti che lavorano in queste forme, invece di liquidarli. Invece, il modo in cui ha pronunciato le sue osservazioni ha fatto sì che alcuni percepissero facilmente un tono di superiorità, come se avesse sempre avuto tutto e fosse semplicemente annoiato dal mondo che lo ha cresciuto.

Detto questo, è qui che vorrei proporre una controargomentazione. Mettiamo da parte per un momento il suo background e il modo in cui ha espresso i suoi pensieri. Dobbiamo chiederci se preferiremmo una verità scomoda detta in modo poco elegante o una comoda falsità pronunciata con eleganza.